Hi-Fi Rush, el juego que Bethesda lanzó el pasado 25 de enero para Xbox Series, PC y Game Pass, es un hack and slash rítmico; pensad en un Devil May Cry en el que los golpes y las animaciones del protagonista, los enemigos y el escenario van al son de la música. Una propuesta curiosa y exitosa que motivó una de las preguntas que le pudimos hacer al director John Johanas en una entrevista por correo electrónico: ¿Qué fue antes, la música o el diseño de niveles? Depende de si el tema es original o licenciado.
"Si la canción era una canción licenciada, diseñamos todos los elementos de la jugabilidad para coordinarse con la canción. Así que dividimos la canción en partes y pensamos qué eventos, secciones jugables y secuencias cinematográficas funcionarían mejor en cada sección", explica el diseñador de Tango Gameworks. "Queríamos estar seguros de que las canciones no se percibieran como música de fondo, ¡sino como si las estuvieras tocando!"
Entre esos temas licenciados hay canciones reconocibles como Lonely Boy de The Black Keys, Perfect Drug de Nine Inch Nails e Invaders Must Die de Prodigy. "Los temas licenciados fueron una elección personal, de los artistas que escuchaba, pero también un poco representativo del género del rock de finales de los 90 y principios de los 2000", admite Johanas. "Esa era la sensación [temporal] que todo el juego intentaba abarcar, así que elegí un puñado de pistas y, o bien las usé directamente, o las usé como referencia para crear los temas originales del juego".
En esos temas originales compuestos por Shuichi Kobori, Reo Uratani y Masatoshi Yanagi, el trabajo fue al revés: "Lo abordamos desde una perspectiva primero de gameplay, pero siempre teníamos en mente el tipo de canción que sería además del ritmo del nivel. Hicimos gráficos que coincidían con las partes de las canciones, como versos y coros, para asegurarnos de que sabíamos cuándo la canción llegaría al clímax o se calmaría, cuándo tenías que resolver un puzle o explorar".
"Fue muy extraño hacer un juego de esta manera", admite el también director de The Evil Within 2, "pero al final, ayudó a hacer que las canciones y el gameplay coincidieran para crear una experiencia interconectada".
El estilo visual: como un cómic extranjero hecho en Japón
Mientras que la banda sonora es, salvo alguna excepción, muy anglosajona, en lo visual apostaron por la multiculturalidad: "Pedí [al artista conceptual principal Keita Satai] una sensación de que pudieras decir que era un cómic extranjero 'made in Japan'". Johanas no no quería que pareciera un anime, ni un comic americano. "Era importante para mi combinar esos elementos y que no se percibiera como ninguno de ellos, porque quería una estética accesible, pero llamativa".
"Usamos diferentes técnicas que están tanto en el anime como en los cómics para transmitir direcciones diferentes dependiendo de la escena, e incluso incluimos efectos visuales que usan onomatopeyas en idiomas distintos". El director creativo dice que una de las grandes inspiraciones para los modelados y el delineado fue Jamie Hewlett, autor de la novela gráfica Tank Girl y colaborador de la banda Gorillaz; para las animaciones y las escenas se fijaron en la animación americana y japonesa; y específicamente en el anime para los entornos.
